Rogério Lupo - Ilustrador Biológico Brasileiro

Curso em Florianópolis

2011-10-03T12:48:00.002-03:00

de 18 a 20 de novembro de 2011 (sexta à noite, sábado e domingo o dia todo), ocorrerá o curso de ilustração biológica hiper-realista em acrílico no Olho Mágico. Informações no folder abaixo. O curso é avançado e os alunos precisam ter habilidade em desenho e domínio de técnica de sombreado ao menos em grafite. Vagas limitadas. Desconto para inscrições feitas até 20 de outubro.

Súmula do conteúdo do curso:

- Introdução elementar à teoria das cores.

- A cor em luz, a mesma cor em sombra; o tom em uma cor, o mesmo tom em outra cor

- Apuração da acuidade perceptiva visual a partir da compreensão da fisiologia da visão e da influência mútua das cores justapostas, que torna relativa a percepção da cor e do tom.

- Detecção das múltiplas variações de cor, matiz e tonalidade de um objeto a ser representado e obtenção em tinta dos aspectos detectados.

- Formas de aplicação da cor em tinta acrílica: camadas densas diretas ou camadas transparentes passo a passo. Aplicação de veladuras (camadas diluídas transparentes) e correções de cor.

- Lida correta e positiva com as características da tinta acrílica: secagem rápida, transparência e cobertura débil (soluções na aplicação do claro sobre o escuro), escurecimento pós-secagem.

- Fundamentos do hiper-real: contornos exatos, qualidade luminosa reflexiva em tom e cor precisos, contraste meticuloso reproduzindo a imagem tal como é captada pelo olho humano.

2009-10-28T11:11:00.013-02:00

Ignore o artista, admire a obra

Esqueça a obra, admire a Arte

Conheça a Arte, admire a tinta

Esqueça a tinta, admire a Luz e a Cor

Conheça a Luz e a Cor, admire os Seres

Reconheça o Ser, admire a Vida

2009-01-31T15:42:00.004-02:00

REPRODUÇÕES À VENDA

Você pode obter reproduções de alguns dos desenhos expostos neste blog (sem as marcas d'água, claro). As cópias são feitas em alta qualidade em papel fotográfico. O modo de remessa será o de sua preferência. Verifique nas legendas das figuras as dimensões da reprodução e o seu valor e entre em contato por e-mail.

A ilustração que você deseja não está disponível para venda? Entre em contato e faça seu pedido.

2009-01-31T15:26:00.009-02:00

AMBIENTE AQUÁTICO DO SUDESTE BRASILEIRO
Acrílico sobre papel tela - Acrylic on canvas paper

Capa do livro "Laguinhos - miniecossistemas para escolas e jardins" de Maria do Carmo E. do Amaral e Volker Bittrich; para reproduções entre em contato pelos e-mails à direita, no alto desse blog.
REPRODUÇÕES DISPONÍVEIS EM 21 X 23 cm. R$ 25,00 + frete

2009-01-25T23:11:00.012-02:00

Ilex paraguariensis - Aquifoliaceae

"Erva-Mate"

Aquarela - Watercolor

2009-01-25T22:44:00.016-02:00

Zygopetalum mackayi - Orchidaceae

Aquarela - Watercolor

REPRODUÇÕES DISPONÍVEIS COM FUNDO NEGRO OU BRANCO

EM 28 X 15 cm - R$ 15,00 + frete

2009-01-25T22:43:00.006-02:00

Hymenaea courbaril - Leguminosae

"Jatobá"
Grafite - Pencil

2009-01-25T22:40:00.009-02:00

"Natureza Morta" - Estudo de folhas

Grafite - Pencil

REPRODUÇÕES DISPONÍVEIS EM 20 X 20 cm - R$ 20,00 + frete

2009-01-25T11:23:00.009-02:00

Pseudobombax longiflorum
"Imbiruçu"
Acrílico sobre papel tela - Acrylic on canvas paper

2008-06-21T19:47:00.006-03:00

Hemistephanus cylindricus - Stephanidae
Vespa
Scraperboard (ou Scratchboard nos EUA - nanquim raspado)
Fundo negro digital
Cliente: Prof. Dr. Alexandre P. Aguiar (Universidade Federal do Espírito Santo - UFES)

2008-06-15T19:53:00.010-03:00

Actinocephalus polyanthus - Eriocaulaceae (família das "sempre-vivas")

Nanquim - Ink

Fundo negro digital

Cliente: Prof. Dr. Paulo Takeo Sano

(Universidade de São Paulo)

Publicação:

SANO, P. T. 2004. Taxon, 53(1):99-107.

Mini-Curso Ilustração Biológica: despertando a percepção

2008-06-14T14:01:00.009-03:00

Um curso que pode transformar sua forma de ver e desenhar.

"Desenhar é uma forma de pensar"
Edgar Degas

Este mini-curso foi ministrado recentemente em:

São Paulo - SP

Catavento Espaço Cultural da Ciência

9 e 10 de julho de 2011

Curso intensivo de 8 horas, eminentemente prático, voltado a apresentar o universo da Ilustração Biológica e principalmente despertar a atenção dos alunos para detalhes da realidade que passam despercebidos durante o desenho, devido aos condicionamentos, conceitos e expectativas do olhar.

As linhas de referência de perspectiva no corpo de um animal

Tendo como referência a metodologia e modelos da Ilustração Biológica, são fornecidas e praticadas as ferramentas fundamentais que são tudo de que se precisa para o bom e correto desenho.

Compreender a arquitetura básica da planta nos auxilia a manter correta a noção da perspectiva

Mini-Curso planejado para ser ministrado em salas que disponham de datashow, adequado para turmas de até 50 alunos sem pré-requisitos. Verifique a possibilidade de receber o curso em sua cidade e solicite mais informações por e-mail.

Você compreende bem essa folha? O bom desenho começa com um bom posicionamento

Linhas-guia ajudam a compreender a orientação das estruturas

Durante o Mini-Curso, sempre visando ao aperfeiçoamento do desenho, investigaremos condicionamentos e ilusões de ótica como os presentes nos exemplos abaixo:

Você é capaz de não ver cubos?

Você é capaz de não ver nenhum triângulo?

A e B são iguais?

Curso de Ilustração Científica

2008-06-14T14:00:00.078-03:00

Um curso que toma por base os fundamentos do desenho clássico, enfatizando em sua fase avançada a ilustração biológica (botânica, zoológica, paleontológica).

Tudo sobre a Ilustração Científica:

Abordagem aprofundada das técnicas mais usuais para a ciência: grafite, nanquim (pontilhismo ou tracejado, com caneta e/ou bico de pena), scraperboard, lápis de cor, aquarela, acrílico, guache etc. e das técnicas não usuais para a ciência: carvão, pastel seco e oleoso, tinta a óleo etc.
Técnica avançada de recomposição da forma viva dos organismos.
Uso de estereomicroscópio com câmara clara (instrumento ótico especializado para desenho científico que permite observar o desenho e o objeto desenhado sobrepostos).
Composição de pranchas científicas.
Pesquisa de novas técnicas e abordagens.

Curso de caráter permanente e com tratamento individualizado dos alunos. O aluno começa quando puder e segue em seu próprio ritmo. Atualmente disponível para turmas mensais.

A turma mensal é composta de 4 alunos no máximo (3 no mínimo). As aulas tem duração de 8 horas (8-18h) e podem ser em um sábado OU domingo. As datas são definidas por email, e qualquer aluno interessado pode participar da lista de emails e propor uma data, ou ocupar uma vaga em uma data proposta por outro. O aluno pode vir mais de uma vez por mês se desejar, ou fazer aulas esporádicas, vir a cada 3 meses... como preferir. O curso não tem um início geral para a turma, o tratamento é individualizado: o novo aluno entra quando quiser e começa do início e, se faltar por meses, retoma de onde parou.

Valor do curso mensal: R$ 89,00 por aula (8 horas) nas primeiras 3 aulas; R$ 112,00 por aula nas aulas subsequentes (INFORMAÇÕES ATUALIZADAS E VÁLIDAS PARA O ANO DE 2012).

Localização: Valinhos - SP (a aproximadamente 80 km da capital)

VEJA ABAIXO AMOSTRAS DE TRABALHOS DOS ALUNOS

Estudos de introdução às ferramentas do desenho clássico

Cecile Lelu

Renato Goshima

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Estudos de aprimoramento da percepção

Cécile Lelu

Laura Montserrat

Renato Goshima

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Introdução à ilustração biológica

Laura Montserrat

fruto de
Cedrela fissilis

Renato Goshima

Infrutescência deTibouchina granulosa

Renato Goshima

Sedum adolphii

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Introdução ao estudo da cor

Renato Goshima

Pastel Seco

Renato Goshima

Pastel seco

Maíra Formis de Oliveira

Estudo de transparência e fonte luminosa

Pastel seco

Renato Goshima

Lápis de cor

Scraperboard

2008-06-14T13:15:00.015-03:00

Também chamada (parece que apenas nos EUA) de scratchboard, esta técnica consiste basicamente na raspagem da tinta aplicada sobre uma superfície apropriada. É amplamente difundido o uso da raspagem do nanquim preto sobre uma superfície branca, mas poderia ser raspado outro tipo de tinta, de qualquer cor, sobre uma superfície também de qualquer cor.

A raspagem é feita utilizando-se um instrumento afiado. Há alguns feitos especialmente para isso e são chamados em inglês de Scratch Knife (faca, ou lâmina de raspar). Abaixo podem-se ver alguns desses instrumentos ainda hoje fabricados.

Na foto acima as duas lâminas da esquerda são HIRO LEONARDT 603 (creio que o primeiro à esquerda é de fabricação mais antiga e o segundo o atual). As duas da direita são HUNT 113, mostrando ambos os lados da lâmina. Repare que a HUNT é côncava internamente, o que pode se mostrar útil em casos diferentes do uso das lâminas planas.

Não é necessário, entretanto, ser escravo desse material, pois qualquer estilete afiado se prestará bem à raspagem, desde que se experimente bastante até que a técnica pessoal se desenvolva.

O segredo para o bom andamento do trabalho é manter a lâmina sempre ultra-afiada, o que permitirá que sejam raspados filetes extremamente finos de tinta. Isso faz com que essa técnica seja uma das que permitem maior riqueza de detalhes. Costumo afiar usando lixas d'água, apropriadas para lixar metais.

Adiante falaremos sobre a preparação da superfície sobre a qual se fará a raspagem. Por ora adianto que tanto a tinta acrílica quanto o latex se mostram muito bons para isso. A camada de tinta deve ser bem grossa (várias demãos), pois a lâmina pode assim ser mais calcada quando se deseja uma raspagem de maior calibre. Antes de aplicar a tinta, costumo engessar bem o papel. Todas as camadas de tinta ou de gesso são bem lixadas, com lixa fina, antes da próxima demão.

Já me apresentaram trabalhos cuja raspagem foi feita diretamente sobre o papel, sem nenhuma aplicação prévia de base de tinta. O papel usado para isso foi o cartão supremo e o resultado pode ser bastante interessante. Creio que ele não permitirá sulcos muito profundos da lâmina nem liberdade para correções, mas isso é uma opinião, e talvez tendenciosa, pois ainda não testei raspar diretamente sobre esse papel.

Veja mais sobre Scraperboard (texto em inglês).

Preparo do papel

2008-06-13T20:42:00.011-03:00

Pode-se utilizar qualquer papel de alta gramatura, ao menos acima de 250 g/m2, para servir de base. Como a técnica pode exigir raspagens de certa profundidade, um papel espesso dará conta de suportar as intervenções. Costumo usar o Cartão Supremo, que é branco e parece não ser muito ácido. O Papel Paraná também poderia se prestar bem, pois apesar da acidez excessiva, haverá um isolamento dado pelo tratamento que exponho adiante.

(É bom esclarecer que acidez é o que costuma causar transformações ao longo do tempo, portanto um papel ácido muda de cor, amarelecendo com o passar dos anos, e pode apresentar outras características físico-químicas causadoras de problemas, interferindo na tinta ou na capacidade de suportá-la. Até a integridade física do papel pode se deteriorar, havendo formações de bolhas ou escamações etc.)

A fim de proporcionar uma boa base para a raspagem, inicio então aplicando uma camada de gesso mais ou menos diluído em água, acrescido de tinta acrílica branca em proporção aproximada de 1/3 (uma parte de acrílico para 3 de gesso), mistura essa que não deve estar nem muito viscosa nem muito aquosa. O ideal é a textura parecida com a do creme de leite. Após a aplicação do creme, aliás, do gesso, distribuo morangos, aliás, distribuo o gesso com um rolinho de espuma, até que a secagem gradual do gesso, que vai acontecendo pouco a pouco, permita que o rolinho deixe a superfície bastante lisa. Quando isso acontece, cesso a atividade com o rolinho e deixo secar bem, lixando a seguir com lixa d’água para metais, bem fina (600) e depois reaplicando nova camada de gesso. Repito a operação várias vezes, cerca de 3 ou 4, sempre lixando bem entre as demãos, até que a superfície pareça estar bem lisa.

A lixadura deve ser muito cuidadosa e paciente, procurando-se eliminar ao máximo os orifícios oriundos das minúsculas bolhas, que sempre remanescem apesar da passagem do rolinho. Isso porque esses furinhos, apesar de pequeníssimos, conduzem a desvios da lâmina, podendo distorcer a uniformidade do traço ou causar "degrauzinhos" indesejáveis.

A seguir, aplico várias camadas espessas de tinta acrílica branca, também ligeiramente diluída, deixando secar bem e lixando entre as demãos. A distribuição da tinta novamente é feita com o rolinho. Pode-se usar também látex branco ou talvez (ainda não experimentei isso) base acrílica para telas ou artesanato. O importante é que seja um material plástico, cuja raspagem permita a retirada de finos filetes dessa base. Como a tinta nanquim (usada no Scraperboard mais tradicional) está aplicada sobre essa base plástica, os filetinhos raspados levam junto a tinta preta, fazendo assim com que surja o branco.

Logo é possível notar que os filetinhos saem enroladinhos como macarrão parafuso. É bom se soprar esses filetes longe a cada 2 ou 3 raspagens, pois a presença deles ali sobre o papel pode manchar partes brancas do trabalho, deixando tudo um pouco sujo e acinzentado. Na figura abaixo (clique para ampliar) se pode ver um estudo sendo realizado enquanto um dos filetes enrolados já sai logo abaixo e à direita da ponta da lâmina de raspar.

ESTEREOMICROSCÓPIO COM CÂMARA CLARA

2008-06-10T14:58:00.022-03:00

Esse é o nome de um instrumento essencial em muitas áreas da ilustração científica. Trata-se de um microscópio com visão binocular (o que permite a observação tridimensional), provido de um aparato extra - a câmara clara - que torna possível a visão do objeto sobreposta à do papel. Dessa forma, pode-se desenhar o objeto em questão contornando-se sua forma diretamente. A câmara clara é uma adaptação, para instrumentos óticos, da câmara lúcida, muito utilizada por artistas desde sua invenção no século XIX.

Um esquema do funcionamento do estereomicroscópio com câmara clara

A câmara clara é um sistema com uma projeção lateral ajustada ao microscópio, dotada de um espelho externo e de um sistema de prismas interno. O efeito que ela propicia é a fusão das imagens do objeto observado e do papel onde será feito o desenho. Para entender o resultado disso, será mais esclarecedor observar as imagens do exemplo.

Quando se posiciona um objeto sob a lente objetiva, inicialmente mantém-se fechada a "janela" que permite a entrada da imagem do papel. Assim, a visão que se obterá é simplesmente a da imagem ampliada do objeto, como vemos abaixo.
A imagem do objeto com a "janela" da imagem do papel fechada

Abrindo-se a "janela" com uma simples chave embutida, será possível que se veja concomitantemente o objeto e o papel (bem como sua mão, o lápis, a xícara de café, as migalhas de bolo etc.) e assim se poderá desenhar diretamente sobre as formas observadas, como na foto abaixo.

As imagens do objeto e do papel sobrepostas ("janela" aberta)

É necessário que se experimentem diversos posicionamentos das duas fontes de luz que iluminam respectivamente objeto e desenho, de forma que se chegue a um equilíbrio que proporcione a perfeita visão de ambos ao mesmo tempo. Alguns instrumentos mais sofisticados contam com um diafragma que regula a entrada de luz proveniente da câmara clara, facilitando assim a equalização da fusão das imagens.

A imagem fundida do objeto e desenho aparece apenas em uma das oculares, o que é uma providência muito sensata, já que cada olho enxerga uma imagem ligeiramente diferente (ambas são fundidas no processamento cerebral, proporcionando assim a visão tridimensional). Concentrando-nos na visão de apenas um dos olhos estamos executando uma representação bidimensional a partir da própria visão bidimensional, o que favorece a execução correta do desenho. Seria muito comum, entre desenhistas inexperientes, predominar a visão do olho direito quando se desenha o lado direito do objeto e idem, olho esquerdo para o lado esquerdo.
A imagem do desenho realizado diretamente sobre o objeto

O desenho obtido assim é o mais fiel e preciso possível. Entretanto, mesmo com o auxílio desse instrumento pode haver problemas na representação, decorrentes de interpretação inexata de formas e/ou sombras. Isso evidencia que para se desenhar bem e corretamente, é essencial se enxergar corretamente. Em outras palavras, aprender a desenhar é aprender a ver (ou vice-versa).

Os estereomicroscópios mais comumente utilizados com a câmara clara são de baixo poder de ampliação. O aumento propiciado varia de 4x a no máximo 45x. É possível, entretanto, que se use a câmara clara em microscópios mais potentes. As estruturas normalmente desenhadas em ilustrações biológicas ou paleontológicas raramente são menores de 1/4 de mm. Por isso, em geral, a ampliação até 45x dá conta do necessário.

Um estereomicroscópio K700 da Motic, com câmara clara

O campo focal (o diâmetro do círculo de observação através das lentes) do aparelho é de aproximadamente 40 mm, o que faz com que objetos maiores do que isso precisem ser desenhados em etapas. A instalação de uma objetiva de redução faz ampliar o campo focal, possibilitando assim a ilustração em uma única etapa de objetos maiores.

As instituições de pesquisa usualmente dispõem de ao menos um desses instrumentos em cada laboratório onde ele seja necessário, a ser usado pelos pesquisadores e/ou ilustradores. O valor de um Zeiss ou Olympus pode passar de 20 mil reais. Mas há um chinês marca Motic, disponível no Brasil pela DMI Optics, cujo preço pode ser metade disso.

Para quem tem experiência em comprar pela internet e sabe filtrar vendedores idôneos (ou conhece os meios para exigir idoneidade), pode ser muito compensador importar, mesmo pagando-se o frete e os tributos. Experimente pesquisar juntas as palavras stereomicroscope motic e encontrará muitos sites (como por ex. o tedpella.com) que vendem um K 700 a cerca de 1200 dólares. A câmara clara (o aparato central que contém o espelho e os prismas na foto acima) é chamada drawing device e sai por cerca de 250 dólares. O frete pode até ser gratuito com esse montante. Informe-se sobre a taxa de importação para equipamentos desse tipo.

A diferença entre o K 700 e os outros da Motic é o modo de ampliação de imagem. Enquanto no K 700 é possível se ampliar gradualmente, os outros ampliam aos passos, não sendo possível obter intermediários entre um aumento e outro (no K 400 há 4 passos, e no K 500 há 5 passos).

Uso do lápis correto

2008-06-09T16:47:00.004-03:00

Minha primeira dúvida ao pensar em começar a desenhar foi: que lápis eu deveria usar e como deveria usar? Atualmente é muito frequente me pedirem explicações a esse respeito, o que demonstra como até mesmo as coisas mais simples podem suscitar muitas dúvidas quando não estamos familiarizados com aquele universo.

Hymenaea courbaril (Leguminosae) - "Jatobá"

Primeiro, é preciso entender as gradações do grafite e seus códigos. As letras H (do inglês "hard") dizem respeito a grafites mais duros. Por isso, há o lápis H e, à medida que os números crescem, para 2H, 3H e assim por diante, vai aumentando a dureza do grafite, que assim produzirá sombras cada vez mais claras. São lápis usados para sombreados mais suaves ou traços bem delineados quando bem apontados. Mas devem ser usados com cautela e mão leve, porque marcam e sulcam o papel devido à sua dureza. Se soubermos usá-los com suavidade, serão muito adequados para delinear os esboços de um desenho em papel definitivo. Também são estes os lápis mais apropriados para superfícies mais resistentes como paredes ou pedras.

As letras B (do inglês "black") dizem respeito a grafites mais macios e escuros. Da mesma forma, à medida que os números crescem, aumenta a maciez e portanto a capacidade de escurecimento do grafite. São lápis usados para as sombras mais escuras. O lápis HB tem amplo uso e se situa na gradação intermediária, nem muito duro nem muito macio.

É encontrada também a letra F (do inglês "Fine"), fazendo referência à ponta fina. São lápis indicados para contornos, usados bem apontados.

"Natureza Morta" - Estudo de folhas

Sabendo disso, o ideal é que cada um procure ver como se adapta melhor conforme o uso. Pessoalmente, para obter sombras lisas e homogêneas, utilizo primeiro os lápis mais duros (uso apenas do H para os mais macios), preenchendo com uma sombra bem clarinha o desenho todo de forma igual (chapada) excetuando a área de luz. Mesmo com o lápis H, alguns papéis agarram tão bem o grafite que é preciso ter a mão bem leve (para isso é bom segurar no meio do lápis e deixá-lo cair com o proprio peso, sem impor o peso da mão). Quando percebo que o grafite começa a não fazer muita diferença ou que estou começando a fazer força demais e marcando o papel, passo ao lápis mais macio. Recomeço o mesmo processo e vou passando aos grafites mais escuros até o fim, a cada nova camada mantendo o sombreamento mais distante da área de luz, assim determinando o degradê.

Para evitar as indesejáveis marcas de traços no sombreado (eventualmente indesejáveis, já que traços podem ser úteis em texturizações), mantenho o lápis sempre brandamente apontado. Isso significa apontar mas deixar ao menos um pouco arredondado na pontinha mais extrema, para que o lápis não sulque o papel e nem deixe marcas mais escuras aqui ou ali.

Nymphoides indica (Menyanthaceae) - Flor longistila em corte
Ilustração para o Glossário do Guia de Campo para Plantas Aquáticas
e Palustres do Estado de São Paulo
de Maria do Carmo E. do Amaral et al.

As marcas que costumo recomendar são Bruynzeel, Cretacolor, Mitsubishi ou Faber Castell Alemão (jamais o Regent). Não parece, mas um lápis pode fazer toda a diferença na obtenção de um resultado satisfatório. Até mesmo quem tem total domínio e muita prática pode sofrer com um lápis de má qualidade.

Alguns lápis (mesmo os melhores, como o Cretacolor ou o até recomendável Koh-I-Noor) podem apresentar pequenos cristais no grafite, o que faz com que se perceba durante o desenho que o lápis parece não estar riscando, e sentimos uma textura diferente, um certo atrito. Nesses casos, só podemos nos resignar e ir experimentando outras marcas.

Caso sua sombra apresente pequenas manchinhas mais escuras, isso provavelmente não se deve ao grafite, se ele for de boa qualidade. Podem ser micro-resíduos de borracha. Por isso, procure limpar bem o papel antes de sombrear.

Para retirar ou corrigir sombreado, usa-se o limpa-tipos (uma massinha antigamente usada para limpar os tipos de máquinas de escrever). As marcas que recomendo são Milan (o melhor) e Cretacolor. Não recomendo nenhuma das outras, mesmo as mais elegantes marcas importadas, podem ser terríveis e gordurosas.

Rhinella spp. (Bufonidae)

A massa deve ser usada com pequenas e leves batidas contra o desenho, de forma que ela arrancará o grafite, que grudará na massinha. Pode-se usar também friccionando (não como a borracha; passa-se a massa uma só vez e ela já retira muito grafite), mas é arriscado e melhor usar assim apenas em casos em que se quer retirar toda a sombra. Quando se sombreia novamente onde o limpa-tipos foi friccionado, podem surgir marcas por causa de resíduos. Isso não ocorre quando apenas batemos a massa no papel.

O limpa-tipos deixará marcas disformes se usarmos sem modelar, por isso procuro modelá-lo com a mão criando uma crista bem fininha e batendo essa crista no mesmo sentido do traço de grafite, assim é possível retirar o grafite traço por traço. Isso é excelente para pequenas correções de imperfeições. À medida que aquela região da crista da massinha fica saturada de grafite, é preciso remodelar a massinha, fazendo-se nova crista com massa limpa.

Como ingressar na profissão?

2008-06-02T21:02:00.010-03:00

Algumas sugestões para se iniciar na carreira de Ilustrador Científico

Essa é talvez a dúvida mais manifestada pelos iniciantes que procuram aconselhamento com os profissionais já inseridos na carreira. Como faço para ingressar nessa profissão? Por onde devo começar? Vamos tratar um pouco desse assunto.

Sempre digo que tudo que um ilustrador precisa para começar a ser um profissional é ilustrar. Ilustrar o máximo que puder. Ter muitos desenhos, praticar muito. Esse é o primeiro passo. Procurar trabalhar nisso de 5 a 10 horas por dia e verificar como se sente. Se estiver bem disposto apesar de um dia inteiro de trabalho, então terá disposição para seguir nisso, sentirá prazer e poderá dar conta das exigências do trabalho. Se puder seguir nesse ritmo ao longo de algumas semanas e ainda assim se mantiver disposto, então já se pode considerar um profissional.

Pode soar estranho, mas de fato não é necessário estar inserido no mercado, ter encomendas e clientes, ter uma história e trabalhos publicados para ser considerado um profissional. Basta ter a postura de valorizar nossa tarefa acima de todas as outras coisas. Acima do cliente, acima da remuneração, acima do tempo, acima de nós mesmos e do nosso próprio ego. O que importa é nossa tarefa, tudo o mais é irrisório. Se há que representar uma planta, um animal, um fungo, uma interação biológica etc., tudo o que se deve almejar é a melhor forma de realizar o trabalho. Se for preciso fazer exigências ao cliente, como providenciar materiais melhores ou mais apoio (pense na amplitude do significado da palavra apoio), isso deve ser feito. O cliente não é mais importante do que a tarefa. Cumpri-la bem é tudo a que um verdadeiro profissional visa.

Quem se sente apto a agir desse modo já deve se considerar profissional.

Depois de estabelecer essa postura interna, entretanto, é necessário estar colocado no mercado. Isso é outra história. Depois de já haver praticado, de já estar apto a considerar seu trabalho a coisa mais importante do universo a partir do recebimento da tarefa, é preciso atrair tarefas. Como se consegue isso?

Primeiro, devemos nos convencer de que ilustradores são muito necessários. Os pesquisadores precisam deles o tempo todo. Precisam de muitos deles, dezenas, centenas. Não ficam contentes se não podem escolher ilustradores como quem escolhe pêssegos no supermercado. Querem ver os desenhos, avaliar, pesar relações de custo/benefício. Mas não podem, porque ilustradores são muito raros e nunca têm tempo. Portanto, quem deseja clientes só precisa abrir a boca de alguma forma para dizer: "eu sei desenhar bem".

Há várias formas de abrir a boca. E aqui vamos permear um campo, aqui ou ali, mais subjetivo da questão da propaganda. Gosto de defender a idéia da sedução do cliente. Penso que temos que nos inspirar em alguns ritos de sedução animais (incluindo humanos, mas com mais vistas aos ritos dos felinos) para compreender como é que se seduzem clientes. Por isso defendo sempre a idéia de evitar pedir, se oferecer demais, mendigar, implorar. Quem precisa disso já passa impressão de fazer um trabalho pouco valoroso. A idéia implícita é a de que um bom ilustrador não ficaria precisando mendigar. Isso não corresponde à realidade, há muitos excelentes ilustradores sem trabalho por motivos diversos. Mas isso não altera em nada a impressão passada por alguém que pede ou implora trabalho.

Assim, creio que o meio termo seria oferecer-se de forma não muito explícita. Uma das formas é divulgar seu trabalho sem associar a essa divulgação a busca por encomendas. Por exemplo participando de mostras e afixando cartazes divulgando essas exposições nos locais onde os potenciais clientes circulam.
A forma que me agrada muito é ilustrar nesses locais. Sentar defronte a uma planta e desenhá-la ali mesmo. Devemos escolher bem, para não ser nada forçado. A intenção é acima de tudo desenhar e não angariar clientes. Se estivermos ali só com a intenção de obter trabalho, essa postura será inconscientemente transmitida e decifrada pelos transeuntes, até por meio de nossa atitude corporal. Devemos nos concentrar e esquecer do entorno; nossa tarefa é ilustrar, e deve estar acima de tudo.

O cartaz de divulgação pessoal funciona muito bem. É uma forma de se manter sempre na lembrança das pessoas, e sempre sendo conhecido pelos novos pesquisadores das instituições. Já traz uma amostra de nosso trabalho, e estando ali apenas o cartaz, sem nossa presença pessoal, já passa a impressão de que o ilustrador está em casa, trabalhando. É bem diferente de passar de porta em porta solicitando encomendas. O cartaz é uma boa oferta mais ou menos desinteressada e nada é mais sedutor do que uma oferta que parece desprezar. Pessoalmente, apesar de não usar cartazes, defendo a postura de que, uma vez colocado, seja o cartaz mantido constantemente presente, assim já se torna uma marca pessoal do ilustrador.

Por vezes divulgar tranquilamente sua intenção de entrar no mercado pode ser tudo que as pessoas precisam saber. Eventualmente basta abrir a boca e dizer a algum colega que pesquise: "estou a fim de ilustrar" e as portas começam a se abrir, pois o seu colega pode já conhecer seu desenho. Assim, ou indicará seu trabalho ou solicitará ele próprio.

Apesar de toda essa delonga, a postura na qual mais me fio, e a que mais gostaria de poder persuadir a todos experimentarem, é a de ter consciência do valor de nosso trabalho. Quem valoriza seu trabalho dignifica-o, e isso é o mais forte atrator de clientes. Quando valorizamos nosso trabalho acima de tudo, produzimos algo bem maior do que nós, e é essa grandeza que tem o poder de agir em prol de si mesma. Não creia em mim, experimente!

Bem-vindos à profissão!

Considerações sobre a ilustração de organismos em sua forma viva

2008-05-24T11:23:00.008-03:00

Uma introdução às abordagens feitas no curso "Revivendo plantas e animais por meio do desenho"

Quando se pretende representar um ou vários organismos vivos a partir de material coletado e fixado, são vários os aspectos a serem levados em conta e rigorosamente analisados. Esse estudo vai bem além do correto entendimento e re-concepção da forma assumida pelo organismo quando vivo, e tanto melhor será o resultado quanto mais informações o ilustrador obtiver acerca do(s) organismo(s) em questão. É necessário, portanto, pesquisar bastante e procurar ter todas as questões pertinentes respondidas antes de lançar mãos à obra.

A primeira providência é definir muito bem o objetivo da ilustração, pois disso derivarão todas as questões relevantes. Por isso, deve-se começar tendo bem claro o que se pretende representar.

PERGUNTAS-CHAVE:

Qual o objetivo da ilustração?

O que se pretende mostrar e/ou enfatizar? Forma/Cor? Comportamento? Ambos? Uma ou mais interações entre organismos? Todos esses aspectos juntos?

Quais características específicas e/ou subespecíficas distinguem o(s) organismo(s)?

Estará(ão) o(s) organismo(s) representado(s) isolado(s) ou inserido(s) em seu ambiente?

Qual o habitat do(s) organismo(s)?

Quais são os principais aspectos ecológicos do(s) organismo(s)?

• Animais: em que substrato vive? De quê se alimenta? É diurno ou noturno? Que relações possui com outros organismos?
• Vegetais: que substrato ocupa? Como obtém recursos? É adaptada à luz, à sombra ou à meia-sombra? Que relações possui com outros organismos? Cresce isolada ou em conjunto com indivíduos de sua ou de outra espécie?

Quais são os principais aspectos comportamentais do(s) organismo(s)?

• Animais: como se movimenta? É rápido ou lento? Que posturas assume em movimento e em repouso, ou de acordo com sua intenção? Que posturas ou locais de repouso prefere? Como é sua locomoção? Caso voe, que posições assumem as diversas partes do corpo? É solitário ou vive em grupos?
• Vegetais: como é seu crescimento e reprodução? Em que época floresce e frutifica? Que posições assumem seus diversos componentes em vida? Há reações visíveis de curto termo a modificações do ambiente?

Quais os principais aspectos anatômicos e estruturais do(s) organismo(s)?

• Animais: quais as dimensões de suas diversas estruturas e, de modo geral, das partes componentes dessas estruturas? Qual a restrição dos movimentos dessas estruturas? Como os movimentos de partes do corpo interferem nos posicionamentos ou movimentos de outras partes? Quais partes são rígidas e quais são flexíveis em vida?
• Vegetais: quais as dimensões das estruturas e dos seus componentes? Quais os posicionamentos padrões da planta como um todo, de suas estruturas e dos componentes dessas estruturas? Quais as variações comuns em relação a esse padrão? Como são as diversas estruturas e componentes em termos de rigidez e flexibilidade? Que alterações na estrutura anatômica do vegetal podem ser determinadas por fatores ambientais?

Como foi(ram) fixado(s) o(s) organismo(s)?

Quais características são artefatos de fixação? Perderam-se dimensões, cores, tecidos, pedaços? Que enrugamentos, dobras ou distorções devem ser suprimidas na ilustração? Que pigmentações se mantém e quais se perdem nessa fixação? Quais as formas e as medidas em que se pode confiar após a fixação? Que tipo de transformações determinado tipo de fixação causou em relação à forma viva do organismo? O que se pode presumir da forma viva a partir do conhecimento do processo de fixação?

Tipos de fixação comuns e suas conseqüências:

1. Taxidermia: Cores pigmentares (amarelos, alaranjados, vermelhos, marrons e preto) empalidecem moderada a fortemente. Cores estruturais (azuis, verdes, cores iridescentes) empalidecem ligeiramente. A postura corporal de fixação pode ser muito inadequada para indicar a postura viva.

2. Herborização: perdem-se as cores. Estruturas muito delicadas (membranáceas) perdem de 30 a 50% de suas dimensões em vida, sem as recuperarem após a reidratação. Estruturas mais carnosas e coriáceas perdem cerca de 15 a 30% das dimensões e se recuperam bem após reidratação.

3. Álcool ou outros solventes:
• Animais: perdem-se as cores, mas certas queratinizações pigmentadas escuras podem manter-se escurecidas.
• Vegetais: cores são perdidas. Dimensões se reduzem de 5 a 10%. Estruturas carnosas e coriáceas se preservam bem. As delicadas amolecem e fragilizam-se.

FONTES DE INFORMAÇÕES

A fim de obter o máximo possível de respostas às questões propostas, deve-se recorrer a toda e qualquer fonte de informação: relatos de pesquisadores, referências bibliográficas, fotografias (v. artigo: SOBRE A FOTOGRAFIA COMO MATERIAL DE APOIO À ILUSTRAÇÃO) e/ou ilustrações de origem idônea (cujo organismo focalizado esteja indubitavelmente identificado), além do material fixado, evidentemente, quando disponível (em caso de ilustrações taxonômicas obrigatoriamente deve haver material fixado em que se basear, salvo exceções relatadas no artigo "SOBRE A FOTOGRAFIA COMO MATERIAL DE APOIO À ILUSTRAÇÃO").

A busca de informações pode, por vezes, requerer autêntico trabalho de investigação lógica. Quando se obtêm muitas fotos de diversos autores, por exemplo, de uma determinada ave marinha pousada, mas esta se encontra sempre boiando na superfície do mar, é possível se inferir que seja raro encontrá-la pousada em areia, pedras ou ramos, ao menos longe de seus ninhos. Por isso, se não for possível a obtenção de mais detalhes, será mais sensato representá-la flutuando. Caso seja preciso ilustrar seus pés, uma alternativa seria ilustrar a ave a pousar ou decolar, com os pés tocando a superfície da água. Isso também pode gerar conflito com a necessidade de se mostrar claramente características das penas da face dorsal das asas. Nesse caso, a solução seria buscar uma posição mais propícia no momento de pouso ou decolagem, de forma que favoreça a visão simultânea dos pés e das penas.

Sobre a fotografia como material de apoio à ilustração

2008-05-23T11:43:00.002-03:00

Essa é uma questão delicada sobre a qual expresso uma posição pessoal, com os argumentos que norteiam a condução de meu próprio trabalho.

Toda fonte de informação é bem-vinda para o aprimoramento e correção biológica da representação ilustrativa (veja mais detalhes sobre fontes de informações). É corrente, entretanto, a confecção de trabalhos baseados exclusivamente, ou em grande medida, em uma única foto. Em alguns casos o ilustrador serve-se também de materiais fixados e de observações pessoais do organismo vivo, mas ainda assim baseia-se praticamente apenas na foto, modificando-a ligeiramente ou quase nada. Como "ligeira modificação", pode-se chamar a supressão, na ilustração, do fundo da foto matriz, isolando assim o objeto retratado, ou uma inversão horizontal tal qual aquela causada pelo espelho. Como "quase nada" de modificação, podem-se entender, por exemplo, as inevitáveis diferenças de forma, luz, contraste ou colorido que surgem em decorrência da reinterpretação da foto, ou seja, modificações involuntárias.
Em meu trabalho procuro, salvo raras exceções comentadas abaixo, evitar esse procedimento, bem como contra-recomendá-lo a quem suponho que convenha, pelos motivos que exponho a seguir:

1. A fotografia é, por si, um meio de representação, e tal como uma ilustração, tem natureza autoral. Como se sabe, é também uma arte e, em muitos casos, um meio de expressão. A cópia ou "quase-cópia" de uma foto pode, portanto, ser considerada plágio.

2. Não parece haver sentido em se reproduzir pictoricamente uma boa fotografia para os fins que usualmente a ciência demanda. Se a foto é tão boa a ponto de poder ser praticamente copiada, pode ser ela própria uma excelente ilustração e servir a uma obra científica – mais ainda com o auxílio dos recursos digitais disponíveis hoje, capazes de ajustar detalhes para que a foto sirva plenamente ao intuito ilustrativo. Já se a foto deixa tanto a desejar que precise ser refeita à mão, não deveria ser considerada uma boa base para uma ilustração pictórica, nem parece sensato praticamente copiar tal foto.

Há casos em que a foto não é boa alternativa para ser publicada, pois se faz necessária uma representação mais sintética que elimine os ruídos do excesso de informação. Por isso é muito comum que uma planta fotografada seja reinterpretada em um desenho a nanquim, por exemplo. Nesse caso justifica-se bem uma reprodução exata do que se vê na fotografia, desde que, em ilustrações taxonômicas, haja sido coletado o material fotografado, e este seja usado para aperfeiçoar a ilustração. Pessoalmente, por certo cacoete, procuro evitar a cópia até mesmo nesses casos, talvez por excessiva devoção à arte ilustrativa e pelos motivos expostos no item 5.

3. A fotografia não registra o que o olho humano vê. A qualidade de nossa percepção de luz, cores e contraste jamais é registrada em fotos, nem mesmo com o melhor aparato técnico e toda habilidade e experiência possíveis. Caso o ilustrador venha a serviço de corrigir exatamente isso a partir da observação do material fixado, deveria ser habilidoso a ponto de dispensar também a forma do organismo na composição fotográfica, passando assim a criar algo totalmente original. Além disso, mesmo a melhor fotografia pode deixar pouco ou nada evidentes algumas estruturas ou detalhes da forma do organismo que apenas um olhar acurado sobre o próprio material será capaz de detectar.

4. Todo desenho taxonômico de um organismo deve estar necessariamente vinculado a um material testemunho, que deve ser citado na própria ilustração. Tal material testemunho deve estar recolhido, catalogado e preservado em coleções museológicas. Quando se perde por qualquer motivo este material, uma foto ou ilustração do próprio organismo perdido pode substituí-lo na medida do possível, servindo para consulta e para fornecer dados a pesquisas. Nesses casos, pode-se realizar nova ilustração a partir da foto ou ilustração de outro autor que esteja porventura deteriorada; todavia, não sem a citação do autor da original que lhe serviu de base. Apesar disso, é comum se saber de ilustrações baseadas em fotos (ou mesmo em outras ilustrações) que não citam o autor da foto ou ilustração matricial, o que constitui autêntico desrespeito à autoria. Este tipo de citação deve constar onde for possível, seja na legenda da figura quando da publicação científica (ou mesmo publicações de ampla distribuição e na internet), seja na área útil do próprio trabalho quando em outras veiculações como exposições.
Segundo o procedimento acima exposto – parte das normas que regem a metodologia científica – uma ilustração taxonômica que tome por base uma foto, a qual tenha por objeto um organismo que não foi coletado nem preservado museologicamente, não pode ser considerada senão uma ilustração leiga, ainda que seja fiel ao espécime retratado e represente bem a espécie. Até se pode chamá-la científica, mas parece correto chamá-la de ilustração científica leiga ou amadora, não de forma a denegrir seu louvável valor, mas sim para classificá-la, enfatizando assim o rigor que orienta a confecção daquelas ilustrações que se atêm ao método científico e conservam material testemunho.
De acordo com as normas da ciência deve-se ainda ressaltar que, quando se usam as fotos apenas como fonte de informações, a confecção da ilustração se baseará principal e necessariamente no organismo fixado, ainda que seja o mesmo retratado na foto. É, portanto, ao material testemunho que a ilustração taxonômica deve total fidelidade, tendo a foto apenas por guia para devolver o organismo à vida.

5. Particularmente, disponho-me a abrir exceções e me basear em uma única foto para um desenho taxonômico apenas nos casos em que a foto é de minha própria autoria, ou do pesquisador que requereu o trabalho. Ainda assim, sem abrir mão de que o material fotografado tenha sido coletado e seja também estudado durante o desenho, atendo-me assim a detalhes possivelmente suprimidos pela foto. Entretanto, como raramente as condições são ideais no momento do disparo fotográfico – devido a problemas como mau posicionamento, vento, luz desfavorável, foco imperfeito, perspectiva confusa, composição mal estudada, ilusões de ótica –, quase sempre procuro efetuar mudanças com o intuito de corrigir eventuais imprecisões e alcançar a maior clareza possível na representação, além de buscar o melhor resultado estético e artístico.

6. Nas ilustrações não taxonômicas, como por exemplo as representações de um ambiente ou uma fisionomia em que constem diversas formas de vida animais e vegetais, ou mesmo quando se representa algum aspecto ecológico ou comportamental com poucas espécies registradas, evidentemente não é necessário que haja coletas para testemunhar tudo o que foi documentado. Entretanto, a ciência jamais dispensa a citação uma fonte idônea na qual o desenho tenha se baseado. Assim, o procedimento correto é sempre citar a fonte, sejam ilustrações ou fotografias tomadas no local (e seu autor), materiais devidamente preservados em museus (em quaisquer ilustrações botânicas, zoológicas, paleontológicas e/ou arqueológicas) ou, nos casos de desenhos in situ, a localidade exata em que o ilustrador trabalhou.

Mercado de Trabalho na Ilustração Científica

2008-05-22T19:11:00.014-03:00

Muitos dos que se interessam em ser Ilustradores Científicos procuram saber mais a respeito do mercado de trabalho, se há espaço, se é possível viver apenas da IC no Brasil, quais são as áreas que esse mercado abrange e assim por diante.

Bem, devo começar a tratar desse assunto com afirmações que podem doer um pouco naqueles que consideram essa questão de importância altamente relevante. Para ser um Ilustrador Científico, é preciso ter muita dedicação ao que se faz, e isso exige uma grande dose de paixão, de esforço automático (o que significa quase esforço não esforçado). Assim, as pessoas que mais facilmente se inserem nesse mercado são exatamente aquelas que nao estão minimamente preocupadas se haverá espaço no mercado para elas. Elas quase não têm escolha, acabam sendo absorvidas de tal forma pela atividade, se envolvem com tamanha entrega, que se pode dizer que não escolheram a profissão, mas foram escolhidas por ela. Aqueles que praticamente não podem escapar da profissão são em geral os mais estáveis, competentes e, consequentemente, bem-sucedidos nesse mercado.

Quem estiver atento já deve ter percebido o que se quer dizer aqui: quem trabalha com absoluta entrega e dedicação tem seu espaço garantido. Ou, dito de outro modo, quem consegue se inserir no mercado de trabalho da ilustração científica - em geral - é quem não se preocupa com a inserção no mercado de trabalho, mas mergulha na profissão sem buscar garantias nem estatísticas. Podemos ser mais generalistas e até compreender que esse mecanismo funciona para todas as profissões, guardadas talvez certas proporções.

Isso não quer dizer que, se você se preocupa com o mercado e com suas chances de ali se inserir, não terá chance como Ilustrador Científico. Quer dizer apenas que você deve olhar mais para sua vontade de ilustrar do que a de se sustentar com isso. Porque se sua vontade de ilustrar não for forte, em pouco tempo você estará desestimulado e isso afastará seus clientes. Desestímulo com o trabalho se percebe facilmente em seus desenhos e até por telefone, ou mesmo por e-mail. E se sua vontade for forte o bastante, seu sustento virá de modo automático, pois as suas próprias ilustrações serão uma vitrine de sua entrega e dedicação ao trabalho.

Por isso, sempre que me perguntam se vale a pena investir nessa profissão, respondo que é preciso inverter o ponto de vista. A posição mais favorável não é: "se houver oportunidade no mercado eu me dedicarei", mas sim: "se eu me dedicar, haverá oportunidade no mercado".

Mas partindo agora ao rumo da discussão dentro do senso comum da necessidade de sobrevivência, de "garantias" e de "segurança" que em geral as pessoas procuram satisfazer ao fazer suas escolhas, deixemos essas filosofias dolorosas de lado e vamos pensar de modo mais prático. Fato é que a Ilustração Científica carece realmente de profissionais atuando no país. Muitos editores brasileiros procuram profissionais do exterior para ilustrar, por exemplo, manuais ou guias de identificação de aves, como me contou um dia Eduardo Brettas (um de nossos expoentes na área da ilustração ornitológica). É certo que muitas vezes se buscam profissionais no exterior por desconhecimento do gabarito de nossos ilustradores, ou mesmo por falta de acesso a eles, pela falha na divulgação da atividade no Brasil (falha essa que procuramos sanar organizando os encontros e exposições bianuais de Ilustradores Científicos). Ainda assim, há amplo espaço para novos ilustradores e este espaço continua sendo preenchido vagarosamente, pelo menos desde que me iniciei há mais de 10 anos, quando passei a ser atento a isso.

Citei acima como exemplo apenas uma das áreas do mercado de Ilustração Científica, a área editorial, me restringindo às publicações de guias de identificação. Contudo, o espectro de atuação do Ilustrador Científico é muito amplo, e está sempre avançando em direção a novas áreas.

Áreas de atuação

É bastante difícil a tarefa de enumerar todas as áreas em que pode atuar o Ilustrador Científico, porque a atividade é tão abrangente quanto a atuação da ciência, e elas andam então de mãos dadas, por assim dizer. Mas tentarei aqui traçar um panorama geral das oportunidades da profissão.

Pesquisa

Começo pelo local onde surge a própria necessidade de ilustrações: o ambiente acadêmico. Nas universidades, nos centros de pesquisa em geral (pesquisa médica, biológica, química, física, geológica, paleontológica etc), em museus zoológicos, jardins botânicos, sempre se faz necessário o uso da ilustração como apoio a artigos científicos, textos didáticos para o público, murais, painéis, afrescos e o que mais seja possível imaginar (e pesquisadores são sempre muito imaginativos... além de adorarem a ideia de acrescentar ilustrações aos seus projetos).

No ambiente acadêmico, ou seja, na área da pesquisa científica, e mais especificamente a pesquisa biológica, é bastante frequente a solicitação de ilustrações em preto e branco. Tradicionalmente se pedem mais trabalhos a nanquim, mas com o avanço da tecnologia de impressão das revistas onde os artigos científicos são publicados, o lápis começa a ser muito solicitado também. Cabe ao próprio ilustrador examinar as revistas onde o pesquisador pretende publicar, ver se nelas já há publicações de desenhos a lápis com bons resultados, e então convencer seu cliente a usar o lápis, caso sinta que essa técnica pode trazer melhor resultado à ilustração.

Ainda que seja muito frequente, o preto e branco não é exclusivamente solicitado no ambiente acadêmico. Várias são as oportunidades em que os pesquisadores precisam do uso das cores, seja quando publicam livros, guias, pôsteres para congressos, ou mesmo artigos em revistas que fazem uso das cores. Nas ilustrações para as áreas médica, química, física, paleontológica, chegam a predominar os pedidos de trabalhos em cores, seja para infográficos (como é frequente em ilustrações de química ou fisiologia), ou para as ilustrações estruturais (como as anatômicas da área médica por exemplo) ou mesmo para ilustrações de organismos inteiros (como as paleontológicas).

Enfim, a área acadêmica tem um campo imenso para a atuação do ilustrador, e basta apenas compreender um pouco o funcionamento da pesquisa para que se possa vislumbrar as inúmeras possibilidades de trabalhos para o ilustrador.

Editorial

O mercado editorial é outra área que costuma trazer muita demanda a ilustradores científicos. As editoras encomendam desde uma, poucas, a muitas e muitas ilustrações para um mesmo livro, ou coleção de livros, ou para gerar produtos diversos como cartões, agendas, capas de caderno... Tudo que for possível ser impresso. Normalmente as editoras impõem seu próprio valor por ilustração, mas isso não é uma regra, há muito espaço para negociação. Esse espaço tem aumentado graças à conscientização profissional e tende a se ampliar à medida que os ilustradores começarem a agir com união de modo a impor remunerações mais justas. Caso a maioria se mobilize, as editoras terão que admitir pagar melhor ou ter trabalhos de quem se submeter ao baixo pagamento. Espera-se que os que se submetam a isso tenham trabalhos de qualidade inferior, mas isso não é regra. Muitos ilustradores excelentes se submetem a receber ninharias pelo receio de perderem mercado, o que é uma ilusão que funciona contra todos. Caso todos recusassem ninharias, as editoras teriam que se submeter a pagar melhor.

É comum as editoras trabalharem de modo a "fechar pacotes", ou seja, encomendam inúmeros trabalhos ao ilustrador por um preço já concluído, e com isso tendem-se a reduzir os custos. Pode parecer mais conveniente para alguns, dependendo do modo como cada um trabalha. No meu caso, em que cobro por tempo e sempre demoro por pecar pelo excesso de meticulosidade, acaba sendo desvantajoso.

Embalagens / Comunicação Visual

Se entrarmos em uma farmácia e rodarmos um pouco pelo corredor, veremos muitos exemplos de ilustrações científicas para embalagens, seja em xampus, sabonetes ou cosméticos vários ou naquelas pílulas de produtos fitoterápicos. Tudo aquilo é feito em princípio dentro dos moldes da ilustração científica, levando em conta a precisão na representação. Há empresas de cosméticos - daqueles não vendidos em estabelecimentos comerciais - que solicitam muitos trabalhos e podem ser cotadas entre as geradoras de algumas das melhores remunerações possíveis.

Também pode ser muito divertido procurar por erros botânicos na representação de plantas. Uma flor ou fruto se originando de uma estrutura de onde nunca poderia surgir... bem, nem sempre os ilustradores contratados para aquilo estão suficientemente treinados em botânica e podem então acontecer umas gafes.

Além desses exemplos, na própria farmácia poderemos encontrar cartazes ao público ou produtos promocionais de âmbito interno (voltados ao farmacêutico e realizados por indústrias fabricantes de remédios), todos materiais em que pode frequentemente constar alguma ilustração, seja de caráter médico ou botânico, voltada a representar a origem dos fármacos ou ilustrar seus mecanismos de ação.

Há ainda, dentro da área de comunicação visual e talvez em caráter mais excepcional, a demanda por ilustrações para cardápios de restaurantes ou impressos de propaganda imobiliária, voltados a valorizar a vida vegetal em condomínios ou seu projeto paisagístico. Muitos segmentos do mercado podem prezar uma representação gráfica mais apurada e fiel, dentro dos moldes da ilustração para a ciência.

Mercado de Arte

Esse é um mercado em franca expansão mundial, ainda pouco aquecido no Brasil, mas cujas perspectivas podem melhorar à medida que cresce a popularidade dos Ilustradores Científicos por aqui, com a ajuda das exposições coletivas que vimos organizando nos últimos anos. Trata-se de um segmento promissor para as artes biológicas, afinal pouca gente vai se interessar em obter uma ilustração de uma incisão cirúrgica para retiro de um coágulo temporal, ou uma representação gráfica da molécula de amônia. Mas nunca se sabe...

Essa área é definitivamente a que oferece as maiores possibilidades ao ilustrador em termos financeiros. Em palavras simples, essa é a área que traz a maior bufunfa. Mas isso vai depender de alguns fatores, começando com a forma como se trabalha. É preciso que os trabalhos tragam valor artístico intrínseco, ou seja, elevado grau de exigência em aspectos técnicos, composicionais, temáticos etc. Dizendo de modo mais claro, o valor das obras será tanto maior quanto maior o desafio que elas representam ao artista ou ao apreciador da obra. Caso se trate de um organismo raro (animal ou vegetal), sendo representado em seu habitat, há um desafio inerente à concepção da obra. Caso seja extinto, há mais ainda envolvido nisso, por vezes mesmo a criação imaginativa de cores e estruturas não conhecidas, como é o caso de peles ou escamas de animais dos quais se conhecem apenas os esqueletos.

Entretanto, não é apenas raridade que confere à obra valor artístico. Esse valor provem essencialmente da visão original do artista. Sua escolha de posicionamento em relação à luz, seu enfoque particular do que pretende representar, a composição que escolhe, o horário do dia em que contextualizará a obra, seu preenchimento do papel, se total ou apenas parcial... Enfim, são inúmeros os fatores que envolvem a criação de obras de alto valor e isso pode ser, bem melhor que descrito, intuído, a partir da observação do trabalho dos ilustradores mais eminentes deste planeta ou (principalmente) de outros.

A proposta básica nesse segmento é a venda de originais. Ilustrações Científicas de organismos ou de ambiente vendidas em seu suporte físico. Mas também se pode explorar o mercado de reproduções, ainda que o original seja passado adiante. O ilustrador pode se reservar o direito de comercializar a imagem, pois apesar de ter vendido uma obra física, a imagem pode permanecer sendo dele para que use como desejar, até mesmo para figurar em algum livro. Isso depende do contrato estabelecido no processo de venda.

Para se alcançar o mercado onde essas obras encontram espaço para serem vendidas, é preciso procurar se inserir em exposições internacionais que acontecem com frequência. Há por exemplo o Focus on Nature, a Exposição Trianual do Hunt Institute ou a Botanica Exhibition. Em breve deverei trazer a esse blog os links mais importantes sobre exposições ao redor do mundo.

Também é possível, evidentemente, procurar a inserção no mercado exterior por meio de agentes, galerias ou outras formas de apoio humano. É preciso tomar cuidado, no entanto, pois nós brasileiros tendemos a acreditar que golpes são coisa apenas de brasileiros. Golpes são coisas de seres humanos, seja qual for a nacionalidade. Portanto é bom ter o pé atrás com qualquer negociação, mesmo se estivermos tratando com gente de "primeiro mundo". Golpistas de primeiro mundo sabem dar golpes de primeira.